Bayrol Jiménez: Después de la fermentación sólo queda el pozo
Agosto 29, 2019 | Octubre 11, 2019

Inauguración: jueves, agosto 29, 2019, 8:00 pm

Páramo presenta el programa de exposiciones con curaduría y selección de Daniel Guzmán titulado Impasse. Un programa diseñado con la finalidad de activar y fortalecer la relación con la escena local a través de una selección de artistas, nacionales e internacionales, que de alguna u otra forma desarrollan su trabajo en México.

“Con las exposiciones Después de la fermentación sólo queda el pozo de Bayrol Jiménez y OVERDRESSED de Edgar Cobián, Páramo activa sus proyectos en la ciudad, siendo estas muestras el inicio de una serie de proyectos que he seleccionado bajo el nombre de Impasse para presentarse en la galería durante el programa 2019 y 2020. 

Es necesario, como he remarcado en otros momentos, que la ciudad de Guadalajara cuente con un espacio para exhibir arte contemporáneo local, nacional e internacional, con propuestas interesantes y propositivas, para ofrecer un espacio profesional, abierto al diálogo, con distintos creadores de la escena local, y con artistas que ya forman parte del programa de la galería”.

—Daniel Guzmán, Guadalajara, Jalisco, agosto de 2019.

Después de la fermentación solo queda el pozo, de Bayrol Jiménez, es la primer exposición del artista en la galería, y una de las dos primeras muestras del programa 2019-2020. La exposición muestra la exploración del artista ante la capacidad creadora a partir de la memoria hacia la transformación del objeto en el dibujo, la pintura o la instalación.

»Crear a través de la cancelación, emborronar los errores y trabajar en los callejones sin salida. Regresar, dar marcha atrás, recortar y reciclar. Crear un gran collage a partir de los fantasmas de la memoria y del plano físico que es la experiencia: gestos, simulacros, arrepentimientos. 

Existe un texto de John Berger sobre el dibujo que dice: “dibujar de memoria es ahondar profundamente en su propio contenido de observaciones pasadas”. Fue esta la base desde donde Bayrol comenzó a concebir su cuerpo de trabajo. Ideas sobre cómo funcionan las cosas en un espacio ciego (algo como el espacio en un papel antes de dibujar, o la hoja blanca esperando una palabra), o si uno evita un tema, se comienza eligiendo esos puntos extraños que vemos cuando cerramos los ojos.

 A partir de la idea del sueño y la memoria de Henri Bergson, como una especie de collage de cosas que observamos, todos los trabajos se convirtieron en su propia materia de reciclaje.

El resultado, como explica Jiménez, es que todos los trabajos comenzaron a hablar entre sí, sin importar el momento en que se hicieron o la técnica que se utilizó. Las obras simplemente se mezclaron, por lo que cortó varias de ellas logrando distintos collages. Al final, el resultado fueron distintas composiciones que jugaron junto con los formatos entre colores y espacios vacíos, creando así una composición única y compleja.

Acerca del artista

La práctica de Bayrol Jiménez (Oaxaca, México, 1984) busca mostrar experiencias, tanto con el dibujo como con la pintura o la instalación. Esto se forma —explica el artista— con base a dos ideas de la memoria. Primero como un espacio donde los recuerdos de imágenes no son fieles a la realidad sino funcionan como una especie de collage de todo lo vivido, pequeños recortes que se mezclan unos con otros. Segundo, la memoria física del dibujante adquirida con la práctica del dibujo a través de los ojos, la mano, los dedos, o todo el cuerpo, son sólo experiencia enfocadas hacia procesos que se transforman, bajo el concepto filosófico de Emile Cioran, en simulacros y residuos.

Bayrol estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda y en la Escuela Nacional Superior de Arte Villa Arson en Niza, Francia. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas internacionales en Alemania, Brasil, Francia, Canadá, México, entre otros. Jiménez ha sido artista en residencia en diversos espacios como la Foundry Darling, Montreal, Canadá, 2019; y SeMA Nanji, Museo de Seúl, Corea del Sur, 2017. Su obra forma parte de distintas colecciones privadas a nivel internacional, incluida la Asante Collection, Suiza; Kadist Collection, San Francisco, EUA; Luciano Benneton Collection, Italia y Freek Lomme Collection, Holanda.

Para obtener más información favor de comunicarse con: archivo@paramogaleria.com / +52 33 3825 0921.

Consultas de prensa: media@paramogaleria.com / +52 33 3825 0921.

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Adrián S. Bará: Estructuras de la razón​
Junio 14, 2019 | Agosto 16, 2019

Inauguración: viernes, junio 14, 2019, 8:00 pm

Páramo se complace en presentar Estructuras de la razón, una exposición individual de Adrián S. Bará (n.1982, Ciudad de México).

Estructuras de la razón profundiza en el proyecto en curso de investigación de Bará basado en su interés por los efectos de la arquitectura internacional estandarizada en el cuerpo y los sentidos. Compuesta exclusivamente por una nueva producción de obras que incluye pintura, dibujo, collage, instalación, escultura y video, Bará propone una deconstrucción del entorno urbano para explorar las estructuras que dan forma a la vida cotidiana. Al mismo tiempo, la obra táctil de Bará crea un agudo comentario crítico sobre el perjudicial predominio histórico de la arquitectura en una interpretación centrada en la visión del conocimiento, la verdad y la realidad.

La exposición de Bará produce una experiencia inmersiva a través de la inclusión de esculturas e instalaciones que contienen materiales básicos utilizados en la construcción actual de ciudades, incluyendo concreto, postes de acero estructural y tabla roca como una manera de evidenciar cómo este tipo de construcción establece sus principales intereses sin analizar el impacto que generan en la sociedad, la identidad y el cuerpo. Bará revela cómo este tipo de arquitectura que se construye rápidamente con materiales baratos y fáciles de exportar a todas partes del mundo disminuye nuestra capacidad social, empatía y participación entre nosotros, y nos aísla de la realidad con su tendencia a estandarizarlo todo.

La manifestación visual de esta exhibición es múltiple. El artista fusiona recortes, páginas e impresiones obtenidas de revistas y libros de arquitectura, entremezclados con estructuras corporales y objetos de construcción para resaltar el cómo, desde la Grecia clásica, se ha reforzado la hegemonía de la visión tanto en la estética como en el discurso. Además, el uso constante por el artista de una paleta de color blanca en estructuras, collages, pinturas y esculturas hace referencia a la negación de la esencia y la edad de los materiales en este tipo de arquitectura estandarizada, para reflejar nuestro rechazo y temor a la muerte.

En contraste con esta visión, Bará confronta al espectador con una estética cruda. Mientras transforma los materiales de construcción en complejas narrativas, la presencia del cuerpo del artista impresa en bloques de arcilla y esculturas de cemento, así como la evidencia de dibujos físicos sobre la pared, combinados con el olor del pavimento mojado, y la existencia disruptiva de un muro de hormigón no concluido acoge a los visitantes para cuestionarse sobre el autoritarismo de razón, el estado de alienación desconectado de nuestros propios cuerpos y la aceptación a lo efímero.

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Acerca del artista

La práctica de Adrián S. Bará (n.1982), en su núcleo, explora el cuerpo y su relación con el espacio y la arquitectura moderna, así como su representación en la intersección entre escultura, instalación, pintura y video. La formación del artista como cineasta impulsa su narrativa donde extrae de los materiales y las posiciones diarias para construir “situaciones esculpidas” que deben ser activadas por los espectadores al mismo tiempo que proyectan sus propias historias en los objetos que los invitan a hacerlo. El trabajo de Bará a menudo funciona como rastros de archivo de eventos personales, como relatos que deben ser intervenidos, desafiados y transformados a través del acto de mirar.

Bará ha realizado exposiciones individuales y de dos personas, incluyendo el proyecto en curso y la exposición Estructuras de la razón, Páramo, Guadalajara, México (2019) y ArtCenter / South Florida en Miami, EUA (2017); Adrián S. Bará y Florian Schmidt, Johannes Vogt, Nueva York, EUA (2017); Aesthetics of a Collapsed System, Casa Pedregal, Ciudad de México (2016); Le Palais, Páramo, Guadalajara, México (2015). Entre las exposiciones colectivas seleccionadas se incluyen Almost Solid Light: New Work from Mexico, Paul Kasmin, Nueva York, EUA (2018); Tinnitus y Fosfenos, Museo de Arte Zapopan, Zapopan, México (2014); y Everything Must Go, Galería Casey Kaplan, Nueva York, EUA (2011).

En 2019, Bará fue un artista en residencia en PIVÔ Research, São Paulo, Brasil, y en 2016 en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) en Nueva York, Estados Unidos.

El trabajo del artista como director de fotografía para cinematografía incluye The Weekend Sailor (2016), premio del Festival Internacional de Cine de Madrid a la mejor cinematografía, y The Solitude of Memory (2014), incluido en Le Festival de Cannes 2015, y ganador del Premio del Jurado por Cortometraje documental en el festival de cine Slamdance.

El trabajo de Bará forma parte de diversas colecciones privadas alrededor del mundo, como lo son la Space Collection, Irvine, California, EUA; Luciano Benetton Collection, Italia; Colección Isabel y Agustín Coppel, México; y Colección Diéresis, Guadalajara, México.

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Consultas de prensa: media@paramogaleria.com / +52 33 3825 0921.

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Eamon Ore-Giron: Ziggurat / Zigurat
Enero 31 | abril 3, 2020

Inauguración: viernes, enero 31, 2020, 8:00 pm

Páramo presenta la exposición Ziggurat / Zigurat, de Eamon Ore-Giron. Un zigurat es un santuario o templo construido como un compuesto adosado de niveles escalonados que retroceden sucesivamente

En su serie en desarrollo Infinite Regress, donde se incluyen las obras presentadas en esta exposición, Eamon Ore-Giron (1973, Tucson, EEUU) investiga el potencial evocativo de la abstracción y genera un diálogo entre imágenes históricas y contemporáneas dentro de un diseño preciso. Este diseño consiste en una forma geométrica central dorada con esferas de tonalidades brillantes que parecen atravesarla y pasar por detrás. Las pinturas usan los cambios en el espacio, el color y la forma para crear un juego óptico, evocando diagramas de las arquitecturas celestiales y antiguas.

Muchas de las obras en esta nueva secuencia de pinturas hacen referencia literal a la forma escalonada del zigurat. Cada pintura de la exposición funciona como un santuario o una especie de portal que atrae hacia dentro al espectador, sugiriendo un espacio liminal o transicional y una noción de axis mundi––un concepto mitológico que representa la conexión entre el cielo y la tierra.

En palabras de Ore-Giron, la serie Infinite Regress es una “celebración del potencial emocional de la abstracción para mapear la topografía invisible de nuestras vidas internas y crear un lenguaje visual que a la vez es atemporal y está fuera del tiempo”.

Acerca del artista

Eamon Ore-Giron (n. 1973) nació en Tucson, Arizona, y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California. Ore-Giron abarca un amplio rango de estilos e influencias visuales en sus pinturas altamente coloridas y geométricamente abstractas realizadas en lino crudo y lienzo.

El artista creció en el suroeste de Estados Unidos y ha pasado periodos significativos en España, Perú (donde nació su padre) y México. Los viajes de Ore-Giron, su biografía y su educación formal como artista plástico —con una maestría en Artes Plásticas de la Universidad de California, Los Ángeles— han formado su vocabulario artístico, el cual hace referencia a ciertas tradiciones espirituales nativo-americanas, tapices amazónicos, muralistas mexicanos, el suprematismo ruso y el concretismo latinoamericano, así como la abstracción y el modernismo europeo.

Ore-Giron también trabaja con video y música, tanto con fines colaborativos, así como músico y DJ. Él es bastante consciente de la historia y evolución transcultural de los estilos musicales. De un modo similar, su obra manifiesta una historia de intercambio transnacional que ha permeado a la pintura. Ha mencionado que su trabajo “se origina de una cierta nostalgia de un modernismo global” y de la noción de un lenguaje visual universal. Con este acercamiento expansivo, que une la estética latinoamericana, la artesanía y el folclor tradicional indígena con el avant-garde del siglo XX, Ore-Giron crea un lenguaje artístico único que da la sensación de ser atemporal y contemporáneo a la vez y que resuena a través de distintos contextos culturales.

Ha presentado exposiciones individuales en LAXART, Los Ángeles (2015); Nicelle Beauchene Gallery, Nueva York (2013); Pérez Art Museum Miami (2013); MUCA ROMA, Ciudad de México (2006); Queen’s Nails Annex, San Francisco (2005); y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia (2005). El trabajo de Ore-Giron ha sido incluido en exposiciones colectivas en el SFMOMA, EUA; Hammer Museum, Los Ángeles; Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; Museo Tamayo, Ciudad de México, Prospect.3, Nueva Orleans y Deitch Projects, Nueva York.

Su trabajo ha sido cubierto por The New York Times, Los Angeles Times, ArtForum, ANP Quarterly y SFAQ, entre otras publicaciones.

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