Ensayos paisajísticos
ENSAYOS PAISAJÍSTICOS
Armando Salas Portugal
Septiembre 1, 2022 | Noviembre 1, 2022
Armando Salas Portugal
Septiembre 1, 2022 | Noviembre 1, 2022
Francisco Toledo
Mayo 27, 2022 | Julio 26, 2022
“Sólo a los dioses y a los animales pertenece el gesto supremo. A los hombres sólo corresponde imitarlos”, escribió Roberto Calasso a propósito del arte de la cacería.
La humanidad ha intentado, durante milenios, emular el poder, la astucia, la belleza y la gracia de los animales… y de los dioses. ¿Qué clase de “gesto supremo” tenemos hoy para hablar de ellos, en una época en que hemos desterrado a unos y a otros a la extinción, a la desaparición, a la carencia de significado? Al desvincularnos de lo divino (o de la diversidad de la experiencia religiosa) y de la naturaleza, el territorio de nuestra acción en el mundo parece yermo, desértico. O al menos eso presupone la extinción masiva que hemos propiciado.
Frente a un tipo de arte que hablara del desierto humano como escenario de lo catastrófico, se opone la obra de un artista como Francisco Toledo, plena de símbolos, de entrecruzamientos, de referencias milenarias que dialogan con el mundo natural (las naturalezas) y la mitología (o las mitologías). Las imágenes del pintor mexicano nos recuerdan la fragilidad en la que nos hallamos, en la que se hallan todas las cosas que están desapareciendo, lenguajes, oficios, experiencias, formas de vida. Buscó, acaso, hacer de la suma de todas estas fragilidades una fuerza propia, una voz con la cual oponerse a la indiferencia contemporánea.
Toledo se movió siempre a través de los márgenes, de lo no-dicho, de lo silencioso y sutil. Prefería mimetizarse, coleccionar y elogiar lo minúsculo, reflexionar en torno a las naturalezas particulares y construir una narrativa posible para cada animal o planta. No le interesaba únicamente describir lo que veía, sino inventar, especular en nuevas taxonomías, o hacer anotaciones visuales en torno a imágenes que pertenecen al imaginario universal, por ello, podemos
observar al poeta Matsuo Bashõ convertido en sapo bajo los platanares del trópico. O a los cocodrilos jugando con hamacas, haciendo un guiño a la mitología de los temblores del Istmo de Tehuantepec.
En la antigüedad, Heródoto ya se sentía fascinado con las imágenes de los terribles (y bellos) dioses egipcios, en parte humanos, en parte cocodrilos, lobos, leones alados… Todas estas representaciones no le parecían nada azarosas al historiador griego. Eran, incluso, “más perfectas que los comunes mortales”: acaso reflejaban muy bien la ambigüedad de la “experiencia sagrada”, como lo han sugerido diversos historiadores. Esta capacidad de combinar elementos disímiles y crear algo nuevo le parecía fascinante a Toledo, que gustaba de tomar la historia y sus imágenes y crear propuestas visuales que son perfectas “hibridaciones” entre cultura y naturaleza. Asimismo, podemos sugerir que toda pieza de Toledo es ofrecida al espectador como una narrativa, como un relato posible que construye mundo para todo lo que entraba en su campo de visión, fuesen objetos o seres vivos.
Estos grabados poseen una pátina de antigüedad, o de lejanía. Nos muestran cómo elementos lejanos de pronto son dejados ante nuestra mirada. Y coexisten con nuestro presente, tan imbuido en la preocupación tecnológica, indicándonos que lo elemental, lo minúsculo, lo frágil,
puede ser una respuesta estética (y hasta ética). Estos grabados nos invitan a la contemplación silenciosa, a crear un espacio reflexivo, a detener nuestro ajetreado tiempo. Para Francisco Toledo el gesto supremo consistía en dibujar, pintar, diseñar, modelar, hacer arte, y lograr crear una equivalencia de todos los signos, de todas las experiencias posibles.
Guillermo Santos
Acerca del artista
Francisco Benjamín López Toledo, (n.1940) nació en Juchitán, Oaxaca.
Desde muy joven encontró su vocación en el dibujo y la pintura, con sólo 17 años se inscribió al Taller Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías en la Ciudad de México. Fue Antonio Souza quien bautizó al artista como Francisco Toledo, al mismo tiempo que propició sus primeras exposiciones individuales (a los 19 años) en la Galería Antonio Souza y en el Forth Worth Center, en Texas. Hacia 1960 el pintor se estableció en París, donde hizo amistad con creadores como Octavio Paz y Rufino Tamayo, además de consolidar su formación artística. En ese entonces colaboró en el taller de grabado de Stanley Hayter, uno de los grabadores más influyentes del siglo XX.
A su regreso a México, Toledo pasó varias temporadas en su tierra natal, en la región del Istmo de Tehuantepec, que intentó conocer a profundidad a través del estudio de las costumbres, el idioma y el arte del lugar. En los años 70 empezó a indagar en ciertas técnicas artesanales —como el textil y la cerámica— que influirían en su creación artística posterior.
En 1993 fundó la asociación civil PRO-OAX (que tiene como fin la defensa del patrimonio cultural e histórico de la Ciudad de Oaxaca), organismo que ha colaborado en la formación de espacios como la Biblioteca fray Francisco de Burgoa y el Jardín Etnobotánico, además de sumarse a causas como la defensa de los idiomas autonómicos o la lucha contra los transgénicos.
Cabe destacar que los centros culturales que fundó han transformado el modo en que las personas se acercan a la cultura, entre ellos están: Cineclub El Pochote (1992),
el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo y la Biblioteca Jorge Luis Borges para invidentes (1996), la Fonoteca Eduardo Mata (1996), el Taller Arte Papel Oaxaca (1998) y el Centro de las Artes de San Agustín Etla (2006). Estos establecen una relación íntima con los usuarios, una actualización permanente de sus acervos y una interacción constante con la comunidad artística nacional e internacional.
Fue siempre un creador aparte, alguien que creó su propio camino. Diversas tradiciones convergen en su obra, que puede describirse como el despliegue de saberes originarios en un contexto contemporáneo, o como la actualización constante de elementos primordiales en una obra de fuerte acento intelectual. Por sus temas y preocupaciones, su trabajo es heredero de una muy amplia historia del arte mexicano y puede rastrearse a partir del periodo precolombino.
Cabe señalar que fue un lector excepcional y conocía ampliamente el arte universal. Escribió André Pieyre de Mandiargues en torno a Francisco Toledo: “No conozco a ningún otro artista moderno tan imbuido de manera natural por una concepción sagrada del universo y por un sentido sacro de la vida, que se haya acercado al mito y a la magia con tanta seriedad y sencillez y que esté inspirado con tanta pureza por el ritual y la fábula”.
Llego a exponer en a Kunstnerner Hus, en Oslo, Noruega (1962), en la Galería Karl Flinker, en París (1963), en la Galería Dieter Brusberg, en Hannover, Alemania (1964). Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México (1980), en la White Chapel Gallery, en Londres, y en el Museo Reina Sofía, en Madrid (2000), además de haber presentado su trabajo en la Tate Gallery de Londres y en Latin American Masters, en Los Ángeles, entre otros espacios internacionales.
La conjunción de vida y obra del oaxaqueño destaca como pocas tanto en nuestro país como a nivel internacional, pues permanece fuertemente comprometida con los problemas de nuestro tiempo sin alejarse de sus preocupaciones personales. A la vez que se le vincula con creadores como José Guadalupe Posada, Rufino Tamayo o Rodolfo Nieto, algunos estudiosos han sugerido que la obra de Toledo es heredera y continuadora de la de James Ensor, Paul Klee o Jean Dubuffet, y muchos otros creadores.
Francisco Toledo falleció el 5 de septiembre de 2019.
Xavier Esqueda y Nasim Hantehzadeh.
Abril 8, 2022 | Junio, 2022
Semblanza de la Exposición
Perspectivas, sueños y memorias: dos artistas que hablan desde su experiencia de vida y las inconformidades que tienen con la realidad. Estas mismas líneas de pensamiento y el proceso creativo les ha llevado a la producción de las obras exhibidas, desarrolladas con diversidad en color, técnica y forma.
Xavier Esqueda y Nasim Hantehzadeh se preocupan por la normalización de las crisis humanitarias, entre ellas, la crisis ambiental, efectos de los conflictos armados, la jerarquía sistémica del género, el cuerpo y la forma en la que el nacionalismo sesga el imaginario colectivo de nuestro espacio y de la empatía que podríamos tener con otras personas.
Uno de los objetivos de esta exposición, es dejar que nuestros visitantes puedan tejer esta visión que se comparte donde, una artista contemporáneo – Hantehzadeh- y otro moderno -Esqueda- se entrecruzan en puntos clave sobre su perspectiva de la vida.
Acerca del artista
Xavier Esqueda (n. 1943) abandona su carrera como arquitecto para crear su camino como pintor y escultor autodidacta.
(1965) . En el mismo año obtiene una residencia en Dartmouth college en dónde tuvo la oportunidad de exponer en la Unión Americana, donde sobresalen las ciudades de Washington D.C., Nueva York, Houston, Los Angeles, Miami y San Francisco. De 1969 a 1970 expone en ciudades europeas como Londres y Ámsterdam. De esta manera su actividad artística fue circulando entre México, Cuba, Canadá, Estados Unidos y Europa.
Durante las olimpiadas en México (1968) se le otorga con el Premio de Bellas Artes en Pintura y expone colectivamente en distintas ciudades del país y el extranjero. En 1973 inaugura su primera exposición Espacios Abiertos y Espacios Cerrados en el Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México.
En 1976 a 1982 reside en San Francisco CA, exponiendo en diversas ciudades de Estados Unidos. Al regresar a México vuelve a el Palacio de Bellas Artes con su exposición Del Oficio del Pintor.
Esqueda es miembro del Sistema Nacional de Creadores (FONCA) y del Consejo Nacional para la Cultura y Las Artes. Hoy en día sigue exponiendo en diversos museos de México y en distintos espacios artísticos al rededor del mundo.
El llamado máximo representante del neo-mexicanismo y con más de 50 años de trayectoria, Xavier Esqueda propone en su trabajo una mezcla de realidad con ironía, dependiendo del punto de vista de dónde se observe su obra. Las técnicas que utiliza con variadas, ya que ha reproducido piezas en collage, bordado, óleo, gráfica, escultura y arte objeto. Esto lo hace utilizando diversos materiales que retratan la realidad y los sueños en una tercera dimensión. Sus obras se configuran por sus formas puras, solidez geométrica y contornos precisos al igual que una paleta colorida que agudizan los sentidos críticos.
Nasim Hantehzadeh (n. 1988) es una artista con sede en Los Ángeles, California. Estudió una licenciatura en la Universidad del Centro de Arte y Arquitectura de Teherán en 2007; en 2013 recibió una Licenciatura en Artes (BFA) por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago; y una Maestría en Artes (MFA) de la Universidad de Cali- fornia, Los Ángeles, en 2018.
Ha participado en residencias en Skowhegan School of Painting and Sculpture, Vermont Studio Center y Mac- Dowell Colony. Su trabajo ha sido expuesto en galerías, algunas de las cuales son: Human Resources y Shulamit Nazarian (ambas en Los Ángeles, CA, EUA), Páramo (Guadalajara, México) y en Lefebvre & Fils (París, Francia). El trabajo de Hantehzadeh se ha publicado en ArtMaze Mag y New American Paintings. Ha recibido la beca Resnick, la beca D’Arsy Hayman y el premio de la Pollock-Krasner Foundation.
El trabajo de Hantehzadeh forma parte de diversas colecciones privadas alrededor del mundo, como lo son la Frederick R Weisman Art Foundation, EUA; Colección Diéresis, Guadalajara, México; Colección GAIA, México; Colección Isabel y Agustín Coppel, Mexico; Lynda and Stewart Resnick Collection, EUA.
La artista ha creado piezas de grande escala utilizando materiales a base de aceite y lápices de colores, con un lenguaje visual que está desarrollando continuamente a través de colores brillantes, utilizando memorias y su cuerpo como recursos, cada obra mantiene un lenguaje abstracto y figurativo a pesar de estar hablando de momentos específicos de su vida.
Xavier Esqueda y Nasim Hantehzadeh.
Abril 8, 2022 | Julio 26, 2022
SECRETOS DE TIERRA
Familia Panduro + Elvira Smeke
Páramo se complace en invitar a usted a GDL ART WKND edición 2022.
Este año contamos con la exposición “Secretos de Tierra”, conformada por el legado artístico de la Familia Panduro y Elvira Smeke, con la curaduría de Patrick Charpenel.
Las actividades iniciarán desde el miércoles 02 hasta el sábado 05 de febrero, con el horario de la galería abierta de 10 hrs a 18 hrs.
Favor de reservar por medio de
· media@paramogaleria.com
· info@paramogaleria.com
· o al teléfono: 33 3825 0921.
Será un placer contar con su presencia.
Familia Panduro + Elvira Smeke
Noviembre 21, 2021 | Marzo 12, 2022
El siglo XIX fue un periodo de renovación formal para la producción artística popular de México. Especial aprecio merece el trabajo en barro que, dentro del espectro de técnicas que se practicaban en dicha época, alcanzó un uso particularmente rico y variado. Para introducirnos de lleno en este noble material conviene hablar de la familia Panduro, que ocupa un lugar destacado en la elaboración de barro y artesanía. Este linaje de artistas inició una historia de creaciones con el nacimiento de Pantaleón Panduro en 1847, quien abrió un campo de exploración en un periodo de innovación y experimentación manual. Sus hijos Timoteo y Ponciano fueron los responsables de difundir esta tradición a las siguientes generaciones.
Gracias al influjo cultural del neoclasicismo, que aún extendía su dogma en México de finales del siglo XIX y mediante los recursos tradicionales del barro cocido y la visión del Jalisco rural, los Panduro definieron un nuevo tipo de producción artesanal. El moldeado de sus bustos y figuras se alinearon con el canon cultural ejercido por las academias, solo que ahora incluían el imaginario festivo y delirante de Tlaquepaque. El resultado es un híbrido en el que se combinan reglas de representación de corte Europeo con raíces genuinamente populares. Sin duda, la familia Panduro tiene mucho que ver con el prestigio actual en la tradición manual mexicana al haber impulsado el moldeado en barro y cerámica en el occidente de México.
En el campo de la producción del México contemporáneo sobresale el trabajo de creadores como Elvira Smeke, figura clave que utiliza el barro como uno de sus materiales predilectos en el que aplica diversas técnicas y recursos formales. A través de la escultura, la pintura, el dibujo, el bordado, la fotografía, el performance y el video, Smeke define con gran rigor sus obras y sus idea.
Usando distintos tipos de pastas y barro, sus piezas están cargadas de fuerza a partir del propio significado que se desprendo de estos materiales. Flexibilidad y dureza son características contradictorias que Smeke aborda con agilidad conceptual, procurando siempre que dichos atributos estén presentes en sus esculturas.
La conexión de esta artista con los Panduro no se limita a los materiales, lo que puede confirmarse en las fotografías que, a través de la investigación que realizó del recetario que heredó de su abuela, documentan la tradición culinaria de su familia paterna.
Por medio de representaciones documentales que muestran cada uno de los platillos tradicionales que se servían en su casa -formas visuales que revelan parcialmente estos secretos químicos-, Smeke comparte y oculta la información de los sabores y los productos, para con ello hace una crítica a la figurada la mujer y su lugar dentro de la estructura doméstica. Lo interesante es que muchas de sus obras hacen referencia a los ámbitos y espacios privados de un hogar. Estas características del entorno íntimo de una casa y una familia están también presentes en la obra de los Panduro. En el mismo tenor, las pinturas en papel de Elvira reconstruyen la memoria de sus lugares de infancia.
Smeke y los artesanos Panduro no solo comparten su interés por el barro y la tierra -elementos presentes en la conceptualización de un paisaje geográfico-, sino, además, retratan con profundidad la visión oculta y las costumbres de un ambiente cultural. Sus producciones son radiografías secretas de un contexto cargado de historia y tensión comunitaria.
Familia Panduro + Elvira Smeke
Noviembre 21, 2021 | Marzo 12, 2022
Germán Cueto
Estanislao Contreras
Jaime Galán
Javier Barrios
Emanuel Tovar
Liat Yossifor
Los invitamos a que nos visiten en el stand D-11, de 12 a 19 hrs.
Presentando a:
· Germán Cueto
· Estanislao Contreras
· Jaime Galán
· Javier Barrios
· Emanuel Tovar
· Liat Yossifor
Abierto al público.
Viernes 29, sábado 30 y domingo 31 de octubre, 2021.
12–7pm todos los días.
Calle 5 1006, Colón Industrial
Guadalajara, Jalisco, México.
Domingo, 31 de octubre, 2021.
10:00 – 14:00 hrs
Visita y brunch
Recorrido guiado:
· Jalisco Colosal de Fernando Sandoval
· Parque de Isamu Noguchi
· Las Bicicletas “El Arte Del Equilibrio” de Gilberto Aceves Navarro
· El Mundo de Mafalda *Sólo por RSVP*
Av. Patria 1950, Plaza Patria.